Cin’Ecrans : Comme POPULAIRE, votre premier long-métrage, EN ATTENDANT BOJANGLES est ancré au cœur des années 50-60. Qu’est-ce qui vous touche particulièrement dans cette époque ?
Régis Roinsard : Je crois que je préfère les films en costumes ou d’époque, parce que c’est comme un prisme. Je peux traverser le costume, traverser le décor pour dire des choses personnelles, alors que frontalement et de manière naturaliste, je pense que ce serait plus difficile pour moi. C’est un peu un masque, mais je tente de le percer pour trouver des choses plus intimes et peut être plus fortes.

Je me suis aperçu très récemment et c’est très bizarre en fait, même s’il y a une sorte d’évidence, que la plupart des réalisateurs qui m’ont marqué sont des gens qui n’ont fait quasiment que des films en costumes. J’adore Sergio Leone et il n’a fait que des westerns, ou un péplum au tout début. Les frères Coen n’ont fait qu’un film contemporain. Ce ne sont que des exemples et il y en a bien d’autres, mais je me suis dit « Ah, c’est marrant, je n’y avais pas pensé ».
Et là, pourquoi cette période-là ? Parce que ça se passe un peu dans les années 50, mais surtout dans les années 60 que je vénère, que j’avais envie de filmer cette époque et cette période de cinéma avec en particulier le cinéma italien, et ce que ça peut dégager esthétiquement comme couleur.  Il y a aussi la musique et beaucoup d’autres éléments comme ça.

J’avais envie d’un film flamboyant et avec du souffle mais j’aurais pu aussi l’ancrer dans les années 80 parce que c’est une période un peu folle, en France en particulier. Le film se déroule dans les années 60 mais pour les fêtes, on avait en références plus des choses comme ce qui s’est passé à Paris, au Palace dans les années 80, où tout le monde, toutes les classes se mélangeaient. Et il y avait aussi la dimension psychiatrique car c’est une époque où les traitements psychiatriques ont meurtri les corps pour guérir l’esprit et ça m’intéressait aussi de traiter le film de cette manière.

Comment est née l’envie d’adapter le roman d’Olivier Bourdeaut et de réaliser ce film sur l’amour fou, la folie de l’amour… ?
Régis Roinsard :  En fait, ce qui s’est passé, c’est que plein de gens m’ont dit « Je viens de lire En attendant Bojangles, c’est génial, très émouvant et c’est toi qui dois en faire l’adaptation ! » Ça n’a pas arrêté pendant dix, quinze jours et j’ai donc regardé sur Internet quel était ce livre. J’ai vu qu’il se vendait très bien et que les critiques étaient dithyrambiques, de Télé Star à Libération, ce qui était quand même assez fou.
Ma première réaction a été de dire « non, non, non, ça ne m’intéresse pas, c’est too much ! ». C’est un peu comme quand on vous dit qu’un film, est génial et qu’on n’a pas envie de le voir. Et donc, moi, je n’avais pas envie de le faire.
Ensuite, je ne me sentais pas prêt à adapter un livre car je n’ai écrit pour l’instant que des œuvres originales et travaillé que sur des projets de scénarios originaux.

Même si c’était vraiment anecdotique dans la conversation, je finis par raconter cette histoire à un jeune producteur que je n’appelais pas du tout pour ça. Je lui dis « c’est bizarre, tout le monde m’appelle pour me dire que je dois adapter En attendant Bojangles ! ». Et là, il me dit « Ecoute, je suis à une terrasse de café, je viens de le finir, je suis en larmes. C’est toi qui dois le faire et on le fait ensemble ! » Et ça s’est fait comme ça.
Après, il y a encore eu beaucoup de choses. Je l’ai notamment fait lire à ma femme qui m’a dit « Si tu ne le fais pas, je te quitte » (rire). Il y avait un truc d’alignement des planètes qui était un peu bizarre quand même.

Comme je suis un féru de cinéma, je me souviens d’anecdotes à propos de réalisateurs, et attention, je ne me compare pas du tout à eux évidemment, mais par exemple Francis Ford Coppola ne voulait absolument pas faire LE PARRAIN parce qu’il détestait le roman. Tout le monde l’a poussé et finalement, il en a fait un film formidable. La famille de Steven Spielberg l’a poussé à faire CATCH ME IF YOU CAN (NDLR ; ARRÊTE-MOI SI TU PEUX) donc, parfois, on se dit que quand il y a des trucs comme ça, il faut les entendre et j’ai entendu ! Il ne faut pas avoir de regrets.

Comment s’approprier l’histoire d’un autre, comment avez-vous procédé avec votre fidèle coscénariste Romain Compingt pour adapter le roman d’Olivier Bourdeaut ?  
Régis Roinsard : Le point de départ et la chose la plus importante est que j’ai rencontré l’auteur, je lui ai dit que j’allais le trahir et que je pouvais même le trahir énormément…
Et il a souri. Là, je me suis dit « c’est bon ! ». C’est-à-dire que je pouvais être libre dans tout, je n’avais pas à me poser la question « Est-ce que je dois lui plaire ? Est-ce que je dois plaire à la maison d’édition ? Est-ce que je dois plaire au lecteur ? » car c’est quand même 900 000 exemplaires vendus…
Donc, je me suis dit « Je fais le film que j’ai envie de faire ». Mais il y a un double regard sur ce récit parce que d’abord il y a le scénario et l’adaptation faite avec Romain Compingt, avec qui j’avais écrit mes deux précédents films. J’étais sûr que ça allait lui plaire parce que je sais qu’il adore les personnages féminins comme ça, fantasques.
Avec Romain, on a construit la base de cette adaptation, à travers le style qu’on voulait y mettre, à travers une structure qui est différente de celle du livre et puis à travers les points de vue aussi. Une fois qu’on s’était mis d’accord sur ces points, on s’est dit que c’était Romain qui allait écrire tous les dialogues et leur adaptation.
Ça peut paraitre étrange, mais en ayant ce recul-là, je pouvais m’accaparer ces dialogues et les rendre encore plus personnels. Parfois quand on écrit des choses, au fond c’est trop proche de soi, on peut donc s’autocensurer et ne pas dire les choses. Pour ma part, j’ai un centre de relation fluctuant entre ce que je peux dire personnellement et ce que je ne peux pas dire. J’essaie de débloquer ça et là, ça me permettait de le faire.

Bizarrement, alors que je peux me retrouver, très, très intimement dans les personnages de POPULAIRE ou des TRADUCTEURS, là ce n’était pas le cas, ce n’est pas moi. Et donc, d’un seul coup, je me battais encore plus pour ces personnages.  
Récemment mon mixeur, Cyril Holtz qui est un grand mixeur, m’a dit en voyant le film « Qu’est-ce que c’est courageux de faire un film qui raconte une telle histoire d’amour dans le paysage cinématographique actuel ». Je ne m’en étais pas vraiment rendu compte parce que c’était assez naturel mais c’est vrai que c’est complètement anachronique, presque de raconter une telle histoire d’amour à l’écran. Et puis, c’est quelque chose d’hybride parce que c’est une comédie mais aussi un drame, mais pas que…
Le terme exact, peut-être, mais je n’en suis pas certain, ce serait comédie mélodramatique musicale, mais c’est un peu long (sourire). En même temps, on ne raconte pas 1 milliard de choses parce qu’il vaut mieux raconter précisément une ou deux choses que d’en raconter 10 000 dans un film !

Comment avez-vous composé votre casting ?
Régis Roinsard : Pour les personnages de Camille et Georges, je ne les ai pas choisis individuellement. Je me suis dit « Choisissons un couple ». Donc j’ai mis des photos d’acteurs français et le choix a été très, très rapide. Au final, j’ai dit « Wow !  Je ne les ai jamais vus ensemble à l’écran et j’en ai trop envie ». J’adore Virginie depuis le début, même dans des trucs pourris, et que les autres réalisateurs ne m’en veuillent pas, mais je la trouvais toujours très bien. Quant à Romain, j’ai déjà travaillé avec lui sur POPULAIRE et au-delà de l’acteur qu’il est, c’est l’homme que j’aimerais être parce que je le connais un peu personnellement. Il est tellement généreux, tellement pas calculateur…
Donc on leur a envoyé le scénario en même temps. Ils savaient, tous les deux, que l’autre lisait et ils ont accepté en même temps.
Pour un film assez lourd, comme celui-ci, avec notamment des costumes et un enfant très présent et brillant comme Solan Machado-Graner … il vaut mieux avoir des Stradivarius comme eux.
Avant de commencer le film, j’ai rencontré Mikhaël Hers, le réalisateur d’AMANDA, parce que je trouvais la petite fille de son film formidable. Je lui ai demandé comment travailler avec les enfants, avec notamment la contrainte du temps légal de tournage réduit. Il m’a dit « Il faut que les acteurs adultes soient hyper bons tout de suite pour que ça fonctionne. Et donc avec Romain, Virginie plus Grégory (NDLR, Gadebois), autre Stradivarius, c’était plus simple en fait.  Ça nous permettait également de gagner du temps et donc de changer un peu des choses du scénario, d’improviser et d’être plus libre…

Que pouvez-vous nous dire à propos de votre mise en scène qui ose beaucoup. Elle assume aussi certains partis-pris qui nous ramènent à un cinéma qu’on ne voit pratiquement plus, un peu à la manière d’Hitchcock. Je pense notamment à la séquence en voiture au début du film ?
Régis Roinsard : Le procédé que j’utilise est complètement hitchcockien, pour le coup, parce qu’Hitchcock ne faisait pas ses écrans projetés juste parce que, techniquement, c’était la méthode qu’il fallait employer à l’époque. Non, il y a plein de plans qui peuvent se faire de manière naturelle, mais en faisant un écran projeté d’un seul coup, ça crée du rêve et de l’étrangeté.
Et dans ce film, comme les deux personnages commencent à vivre dans le rêve, je me suis dit que j’allais employer la même technique pour obtenir la même sensation. Et le truc assez marrant, c’est que d’un seul coup, je peux faire un mouvement de caméra impossible à réaliser à cette époque puisqu’on contourne complètement l’écran. Donc, l’idée c’est aussi de s’amuser avec ça. Et surtout, j’ai voulu beaucoup de mouvement avec du sens, mais aussi beaucoup de souffle. Je voulais, que ce soit fougueux, le plus souvent possible.

Comme dans les scènes de danse dont celle, assez magique, qui se déroule à l’extérieur du château… Comment avez-vous préparé et imaginé leurs mises en images ?
Régis Roinsard : La mise en images, elle est déjà à l’écriture du scénario avec Romain, avec qui on en a beaucoup parlé. Comme je le disais, je voulais que ce soit fougueux. C’est vrai aussi que, maintenant, j’ai quand même un peu d’expérience après avoir réalisé de nombreux courts métrages et des clips musicaux, ça commence à venir très naturellement. Je ne me pose pas trop de questions et le sens, finalement, arrive. J’aime beaucoup l’aspect collaboratif d’un film, donc avec mon chef op, on travaille beaucoup ensemble, on établit des plans, on reconstruit par rapport aux repérages effectués.

Pour les séquences de danse, comme celle du tango au début du film où on avait une fenêtre de tir très petite pour tourner, on est resté deux ou trois jours à l’hôtel pour découper tous les plans en faisant des photos et en se servant d’un outil très pratique sur iPhone, où on peut simuler les bonnes optiques, les styles de caméra… Donc, on a préparé tous les plans comme ça. Et concrètement pour la danse, c’est Marion Motin qui a travaillé, entre autres, avec Stromae ou Christine and the Queens, qui a fait les chorégraphies. L’important était de donner du sens dramatique à la danse, sans forcer la technique. Il fallait surtout laisser beaucoup de place à l’interprétation et à l’intensité de l’incarnation. Et je dois dire que je suis relativement fier de cette séquence dont vous parlez.

Propos recueillis par Jean-Luc Brunet.
Remerciements à Audrey Grimaud, au cinéma Le Lido de Royan et à son directeur Guillaume Mousset pour l’organisation de cet entretien.