L’AVIS CIN’ÉCRANS *****

Tout le paradoxe de SOUDAIN*, le nouveau long-métrage de Ryūsuke Hamaguchi (DRIVE MY CAR, LE MAL N’EXISTE PAS) est contenu dans son titre français.
Loin de la brusquerie ou même de la sensation de rapidité et d’efficacité qu’il laisse supposer, SOUDAIN prend le temps de nous immiscer au cœur de la complicité naissante entre deux femmes que rien ne prédestinait à leur rencontre.

Ce premier film tourné en France par le cinéaste japonais dépeint avec une infinie délicatesse cette amitié féminine et fait le lien entre la pensée française et la sensibilité japonaise.
Ryūsuke Hamaguchi y aborde de nombreuses questions de civilisation dont celles de la fin de vie et de la maladie sans jamais tomber dans le pathos ou la démonstration sociétale. Le réalisateur privilégie judicieusement la douceur et la dignité des échanges.

Outre la subtilité de la mise en scène et la manière très personnelle dont Ryūsuke Hamaguchi capture les petits geste du quotidien, on est littéralement envouté par l’intensité et la grâce incomparable du duo, formé par Virginie Efira et Tao Okamoto.

Un bon conseil, ne vous laissez surtout pas rebuter par les 3 heures 15 du film et laissez-vous embarquer dans ce subtil et sublime voyage sensoriel !

Avec son rythme atypique et contemplatif, SOUDAIN laissera, peut-être, certains spectateurs sur le bord de la route mais les autres ressortiront de sa projection fascinés et bouleversés, tout à la fois par son propos et sa forme.

SOUDAIN est une œuvre ambitieuse mais jamais excluante, qui vous accueille à bras ouverts et magistralement portée par ses deux remarquables interprètes principales. Si le long-métrage de Ryūsuke Hamaguchi ne vous convaincra pas forcément de tous les bienfaits de l’humanitude** ou des massages par le pied (quoique !), il s’inscrit néanmoins d’ores et déjà comme l’un des très, très grands films de l’année.

Une œuvre lumineuse et douce comme une caresse dont le souvenir vous hante très longtemps après l’avoir découverte. À voir absolument !

Jean-Luc Brunet / Cin’Écrans

* SOUDAIN a été présenté en Compétition Officielle au Festival de Cannes 2026. Virginie Efira et Tao Okamoto y ont remporté le Prix d’interprétation féminine ex-æquo.

** L’humanitude est une philosophie et une méthode de soin créée par Yves Gineste et Rosette Marescotti qui repose sur quatre piliers relationnels et identitaires majeurs : le regard, la parole et le toucher, ainsi que la verticalité.

L’AVIS CIN’ÉCRANS ***1/2

13 ans se sont écoulés depuis la sortie de WADJDA, le remarquable premier long-métrage d’Haifaa Al Mansour. Un film choc suivi de quelques autres plus oubliables (excepté THE PERFECT CANDIDATE en 2019) et de la réalisation d’épisodes pour des séries américaines.
Cet été la cinéaste saoudienne est de retour avec un drame social en forme de polar que l’on a plaisir à vous recommander.

L’occasion pour d’Haifaa Al Mansour de montrer et dénoncer, une nouvelle fois, les travers de la société contemporaine saoudienne, dont notamment les inégalités de genre qui frappent les femmes de ce pays.
LES SILENCES DE RYAD est rythmé par un scénario malin qui multiplie les fausses pistes jusqu’à son surprenant et déroutant retournement final qui permet au spectateur une relecture mentale de ce qu’il pu imaginer au fil d’un palpitant récit.

À ce titre, que ce soit sur le fond ou sur la forme, LES SILENCES DE RYAD n’est pas sans évoquer un autre thriller social sorti l’an passé, AÏCHA de Mehdi M. Barsaoui.
Les deux films possèdent en commun d’installer leurs spectateurs dans une grandissante tension en jouant habilement avec les codes du thriller. Une façon de mieux raconter, entre autres, la condition féminine dans leurs pays respectifs, l’Arabie Saoudite et la Tunisie.

Si on est en droit de tiquer par moments, face à certaines réactions de Nawal (Mila Al-Zahrani très impliquée) et quelques raccourcis scénaristiques, on se laisse néanmoins emporter par l’efficacité de ce polar en terre méconnue qui confirme le talent certain de sa réalisatrice.

Jean-Luc Brunet / Cin’Écrans

L’AVIS CIN’ÉCRANS ****1/2

À l’instar de longs-métrages comme AFTERSUN ou REBUILDING, SUR LA ROUTE D’OMAHA s’inscrit dans la grande tradition du cinéma américain indépendant qui se fait malheureusement de plus en plus rare.
Avec ce premier long-métrage couronné du Prix du Jury au Festival de Deauville 2025, Cole Webley nous offre l’un des films les plus bouleversants vus ces derniers mois sur grand écran.

Ce qui frappe dès les premières minutes de ce film d’une remarquable sensibilité, c’est l’extrême douceur qui se dégage du personnage de ce père que l’on suit avec ses enfants SUR LA ROUTE D’OMAHA, 1h33 durant.
À travers ce récit, en forme de road movie, d’un homme rongé par la culpabilité de décisions qu’il prend à contre cœur, le réalisateur dresse le portrait triste mais digne d’une Amérique en marge, victime du déclassement social.

Au fil de séquences, tour à tour,  âpres, tendres et parfois lumineuses (la parenthèse enchantée du cerf-volant dans le désert de sel), ce premier long métrage affiche une formidable cohérence avant de nous délivrer sa bouleversante révélation finale.

Nous ne sommes pas près d’oublier la prestation de John Magaro qui oscille entre douceur protectrice et dureté contrainte. Son jeu, tout en retenue et en intériorité n’est pas sans rappeler celui de Casey Affleck dans MANCHESTER BY THE SEA. Un acteur dont John Magaro partage également un ton de voix très singulier (à la limite de l’atone) qui sert magnifiquement son personnage. Face à lui, la jeune Molly Belle Wright impressionne par l’intensité et la variété de son jeu face à son petit frère et à ce père démuni, dont elle tente de décrypter les pensées et les émotions.

En dehors de l’interprétation du film qui lui apporte toute sa puissance émotionnelle, il convient de saluer le soin apporté à son image avec un beau travail sur la lumière du directeur photo Paul Meyers, sans oublier la très belle et mélancolique bande originale du film signée Christopher Bear (PAST LIVES – NOS VIES D’AVANT, dans lequel jouait d’ailleurs John Magaro).

D’une sincérité poignante, SUR LA ROUTE D’OMAHA touche en plein cœur avec une belle économie de mots et sans jamais céder aux sirènes du mélo.
Cet intimiste mais puissant drame social impressionne par sa tenue et son exigence. On en ressort bouleversé et révolté par une situation qu’aucune famille ne devrait jamais subir.
Sans conteste, l’un des énormes coups de cœur de l’été (découvert l’hiver dernier lors du Festival du film de société de Royan). À découvrir absolument !

Jean-Luc Brunet / Cin’Écrans

L’AVIS CIN’ÉCRANS ****

La séquence d’ouverture animée de THE LAST VIKING (l’histoire d’un chef viking obsédé par l’égalité absolue de son clan) donne parfaitement le ton d’une fable noire et cruelle, mais qui est surtout très drôle.

THE LAST VIKING marque la sixième collaboration entre le réalisateur Anders Thomas Jensen et son duo d’acteurs fétiches, Mads Mikkelsen et Nikolaj Lie Kaas.

Avec son look totalement improbable et son goût pour les défenestrations intempestives, Mads Mikkelsen compose un personnage beaucoup plus subtil qu’il n’en a l’air au premier abord. Son jeu oscille en permanence entre une forme de comique absurde et une immense vulnérabilité, face à Nikolaj Lie Kaas. Ce dernier incarne à merveille un personnage fermé et violent qui se laisse peu à peu attendrir par son frère, pas vraiment comme les autres.

Comme dans ses précédents films LES BOUCHERS VERTS ou ADAM’S APPLE, Anders Thomas Jensen excelle dans l’art de marier une violence cartoonesque à des dialogues ciselés à l’humour noir. À travers le portrait de personnages fantasques (on est fan du groupe qui réinvente Abba & The Beatles !), le réalisateur danois nous invite à une juste réflexion autour de la bienveillance nécessaire vis-à-vis de celles et ceux qui vivent différemment de la plupart d’entre nous.

Sous ses airs de comédie loufoque dont l’univers peut évoquer le cinéma des frères Coen,  THE LAST VIKING s’avère être une formidable réflexion sur la quête d’identité, la reconstruction d’êtres brisés et la loyauté fraternelle.
Un film original, déjanté et rafraichissant que l’on vous conseille très chaleureusement.

Jean-Luc Brunet / Cin’Écrans

L’AVIS CIN’ÉCRANS ***1/2

« Cette histoire est rigoureusement vraie sauf pour les historiens » C’est par cet avertissement amusé que s’ouvre le nouveau film de Michel Leclerc, présenté au Cinéma de la plage lors de la dernière édition du Festival de Cannes. Et pour cause, LES CAPRICES DE L’ENFANT ROI joue le jeu délibéré de l’anachronisme littéraire et de la pure fantaisie historique.

Avec ce 8eme long métrage de fiction pour le cinéma, le réalisateur de LA LUTTE DES CLASSES et LE NOM DES GENS, s’essaie donc pour la première fois, et avec un certain succès au film de cape et d’épée, à la manière des comédies d’aventures réalisées par des cinéastes comme Philippe de Broca (CARTOUCHE, LE BOSSU) ou Jean-Paul Rappeneau (LES MARIÉS DE L’AN DEUX).

Si l’on est loin dans la forme de ses comédies contemporaines, on retrouve dans LES CAPRICES DE L’ENFANT ROI, l’intérêt de Michel Leclerc à ausculter les rapports de classe et son goût du collectif qu’il célèbre cette fois ci à travers le quotidien d’une joyeuse troupe de théâtre itinérante.
C’est d’ailleurs à travers l’art et la vie de cette troupe que le jeune futur souverain hautain et capricieux fait son apprentissage de la vie, du travail et de l’empathie.    

Comme toujours, on soulignera le talent d’écriture du réalisateur et de sa fidèle et talentueuse complice Baya Kasmi, ainsi qu’un sens affuté des dialogues qui claquent.
Des dialogues truffés de références contemporaines qui sont défendus avec fougue par des interprètes tous convaincants.

Artus apporte sa bonhommie et sa verve au personnage de Cyrano. L’excellente Julia Piaton et le trop rare Nemo Schiffman nous régalent de leur belle énergie et d’une complicité amoureuse contrariée. De son côté, le jeune Niels Hamel-Brochen se sort avec les honneurs du rôle de l’enfant roi Louis XIV, adolescent arrogant qui va s’humaniser en découvrant la « vraie vie » auprès de sa famille de théâtre.
Quant à Franck Dubosc, il s’amuse comme un fou en composant un d’Artagnan fourbe et quelque peu usé.  

Vous l’aurez compris, il n’est pas interdit, bien au contraire, de prendre du plaisir à cette comédie historique à condition de ne pas jouer les puristes de la grande histoire.
Alors, certes, les 1h54 du film peuvent paraître un peu excessives, mais saluons le pari réussi de Michel Leclerc de nous offrir une fable d’apprentissage joyeuse, colorée et un pur divertissement familial.

Jean-Luc Brunet / Cin’Écrans